En esta segunda edición de JUSTMAD nace METRO Sound, una sección especializada en arte sonoro que presentará en la red metropolitana de transporte de Madrid obras de artistas que trabajan con el sonido y la música de forma experimental. La iniciativa traza un itinerario urbano compuesto por un grupo de estaciones que, seleccionadas por su situación y sus particulares características arquitectónicas y acústicas, conforman un circuito de nodos sonoros subterráneos. En cada nodo, los sistemas de megafonía integrada se convierten en canales de audición, produciendo una experiencia estética colectiva. Con un planteamiento entre la audición inmersiva y la escucha efímera, este programa constituye la apuesta de JUSTMAD para ofrecer a los profesionales y al gran público una aproximación directa a los nuevos sonidos experimentales. Un mapa del recorrido y una señalética específica con información precisa del proyecto que se presenta en cada parada permitirán a los asistentes disfrutar de una relación única entre espacio urbano, arquitectura y sonido.

ARTISTAS PARTICIPANTES y PROYECTOS participantes en MetroSound en 2011:

GESO(Estación de Colón, L4)
GESO, Pablo Iglesias [Madrid, 1977] ha estado trabajando en muy diversos campos del arte relacionado con la tecnología conectada con el uso de ordenadores, scanners, cámaras de vídeo, reproductores de audio, etc. Su obra tiene un componente eminentemente digital y su resultado suele ser una mezcla de distintos formatos: performances, reproducciones impresas en papel, vídeo instalaciones, vídeoclips de música y piezas de arte sonoro. En 2003, desarrolló junto a J.I.A. la pieza de arte sonoro y performance “K405″ que fue representada en diversos festivales de España: Arco 2003 (Madrid), Evantec (Madrid), Pronostica International Art Meeting (Ibiza) y Musica Ex Machina (Bilbao).

“R9 – Liminal Symphony”
Esta pieza de audio forma parte de la serie de R9, una reinterpretación de los aspectos que rodearon un accidente de coche (Renault 9, color rojo) ocurrido en el Km. 14 de la inaugurada A-31en la Semana Santa del año 1989. La serie está formada por un conjunto de piezas escultóricas, video-instalaciones y audio. En concreto “Liminal Symphony” recrea un escenario mental y convierte al espectador en testigo del tiempo liminal entre el momento de la colisión y el infinito, momento de la iluminación, mezclando realidad y mundo digital/ficción. La serie R9 transforma un incidente traumático en una experiencia mística, representando el tiempo de la colisión de forma elástica y etérea, de forma similar a lo que pudiera ser un éxtasis religioso.

R9 – Liminal Symphony, 2010, 2′ 25”, instalación sonora site-specific.de la pieza.
Proyecto presentado por Galería Nuble

Regina José Galindo (Banco de España, L2)
Galindo [Guatemala, 1974] comenzó a destacar a mediados de la década de los 90 como una de las artistas guatemaltecas más emblemáticas de su generación. Muy pronto fue comparada a Marina Abramovic por sus controvertidas performances, en las que su propio cuerpo es el vehículo con el que denuncia los conflictos sociales y políticos que asolan su país y que son extensibles a toda la sociedad actual. Ejemplo de ello es la obra “Himenoplastia”, en la que filmó su propia reconstrucción del himen en una clínica clandestina para denunciar la sobrevaloración de la virginidad de la mujer y la explotación sexual en algunos países. Con esta obra ganó el León de Oro de la Biennale de Venecia en 2005 al mejor artista joven.

“Alarma”
Una obra producida por Regina José Galindo en colaboración con La Caja Blanca para los túneles adyacentes a las cámaras que custodian las reservas de oro del Banco de España. En las calles se respira una creciente alarma social, ante una crisis que estrangula la economía y derrumba las fronteras que preservaban la alegre vida de una despreocupada ciudad europea. Con ritmo vertiginoso, y el inconfundible sonido de una sirena, las calles de Madrid se funden con las de Ciudad de Guatemala.
Alarma, 2011, 1 h. 45’, instalación sonora site-specific.
Proyecto presentado por Galería La Caja Blanca

Francisco López (Velázquez, L4)
Francisco López es reconocido internacionalmente como una de las figuras más relevantes de la música experimental y el arte sonoro. Su trayectoria en el ámbito de la creación sonora y de trabajo con grabaciones ambientales abarca un período de 30 años, durante los cuales ha desarrollado un universo sonoro absolutamente personal e iconoclasta, basado en una escucha profunda del mundo. Ha realizado cientos de instalaciones sonoras, proyectos con grabaciones de campo y conciertos/performances en 60 países, inlcuyendo los principales auditorios, museos, galerías y festivales internacionales, tales como: Auditorio Nacional de Música (Madrid), PS1 Contemporary Art Center (Nueva York), Musée d’Art Moderne (París), International Film Festival (Rotterdam), Festival des Arts (Bruselas), EMPAC (Troy, EEUU), Darwin Fringe (Darwin, Australia), Institute of Contemporary Art (Londres), Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona, Center of Contemporary Art (Kita-Kyushu, Japan), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia (Madrid), Pabellón de España en la Expo de Zaragoza, etc.
Su obra sonora incluye colaboraciones en directo y en estudio con más de 130 artistas internacionales. Sus trabajos han sido editados por más de 200 compañías discográficas de todo el mundo. Además entre múltiples premios cabe destacar la Mención Honorífica en el Ars Electronica Festival de Linz en tres ocasiones 2 (1999, 2002, 2007) y el premio del concurso de arte sonoro Broadcasting Art I de MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en 2006 y es el ganador de los Qwartz Awards 2010 (Francia) en la categoría de antología sonora.

“sin título #276”
Grabaciones originales de sistemas de megafonía realizadas entre 1990 y 2010 en: Atoka (EEUU), Colonia (Alemania), Foz do Iguaçú (Brasil), Haltwhistle (Reino Unido), Hong Kong (China), Kita-Kyushu (Japón), Kyoto (Japón), Manaos (Brasil), Pekín (China), Pico Turquino (Cuba), Riga (Letonia), Sagaing (Birmania), San Antonio (EEUU), San Francisco (EEUU), Singapur (Singapur), Viena (Austria). Compuesto, grabado, mezclado y masterizado en “mobile messor” (Amsterdam), Enero-Febrero 2011.
“sin título #276”, 2011, 12’ 35’’, instalación sonora site-specific.
Proyecto presentado por: Ego Gallery

Iván Pinto (Serrano, L4)
Durante el proceso de realización de esta obra, Iván Pinto escuchó entre otras, la música de Black Dice, Caetano Veloso, La Düsseldorf, Diamanda Galás, Luc Ferrari, Oneohtrix Point Never, Robert Ashley, Milton Nascimento, Sun City Girls, William Basinski, Broadcast and The Focus Group, Sun Araw, Robert Wyatt, Brian Eno, Sun Ra, Coil, Scott Walker, Brigitte Fontaine, Kemialliset Ystävät, Roberto Cacciapaglia, Emeralds, Haruomi Hosono,James Blake, Group Doueh, Nurse With Wound, Otomo Yoshihide, Ennio Morricone, Antipop Consortium, Black To Comm, Die Tödliche Doris, Harry Partch, John Cale y Sparks.

“Invisible Déjà Vu”

Este trabajo parte del registro sonoro de un espacio de la estación de
Metro Serrano por un periodo de tiempo determinado, y la posterior
reproducción de este mismo registro (sometido a diversas alteraciones
temporales realizadas procesando el audio obtenido), durante la celebraciónde la feria de arte JustMad 2. De esta manera, en el espacio sin memoria de esta estación de Metro, se convocará su pasado a través de un espectro aural, revenant inmaterial dispuesto a convocar un cambio, a intervenir en el futuro.
Invisible Déjà Vu, 2011, 30’, instalación sonora site-specific.
Proyecto presentado por Galería Asm28
Agradecimientos: Raúl Hidalgo

Suso Saiz (Retiro, L4)
Suso Saiz [Cádiz, 1957] es músico, compositor, guitarrista, arreglista y productor musical. Pionero de las músicas de vanguardia en España, su obra ha ido evolucionando constantemente sin dejar nunca de ser experimental. Fue miembro-fundador del colectivo Elenfante que aglutinó a la nueva generación de compositores españoles y de la “Orquesta de las Nubes”, grupo emblemático de la nueva música en España. Su incansable actividad cubre un amplio espectro de la música: más de 30 discos (en solitario, grupos y dúos); bandas sonoras originales de largometrajes, documentales , películas de animación y cortometrajes; compone la música original e interpreta en directo para montajes del Centro Dramático Nacional; presenta instalaciones sonoras en espacios multidisciplinares (galerías de arte ,museos, proyectos arquitectónicos) y participa en festivales, discos y directos de Spoken Word.
Por algunos de sus trabajos ha recibido premios y nominaciones de la Academia de Cine de España (Premios Goya), Academia de Cine Mexicana, Asociación de la Industria Fonográfica Norteamericana (NAIRD), Premios de la Música, Premios de la Academia de la Televisión (ATV), International Festival of New Media Video (Ontario, Canadá), Premios Zinebi del Cine Vasco, Premio del Foyle International Film Festival-Ireland…

“The Journey of Light (A Day in the Underground)”
¿Se puede percibir el movimiento del sol en las profundidades del metro? “The Journey of Light (A Day in the Underground)” describe el trayecto de millones de fotones impregnados en la ropa y los cuerpos de los pasajeros que descienden, viajan y vuelven a salir a la superficie. Es el recorrido entre dos notas SOL (la boca del metro-exterior-luz) y DO (los andenes-interior-oscuridad). Son dos tonos analógicos y su recorrido durante 20 horas (tiempo de apertura del metro), siguiendo el ciclo solar, pasando por intervalos microscópicos e impregnado de los fotones que son desarrollos electrónicos del ambiente grabado en la estación de Retiro. Es una pieza de electrónica minimal, con tonos generados por sintetizadores analógicos, moviéndose microtonalmente a partir de una grabación ambiental.
Los pasajeros son los co-intérpretes de la pieza.
The Journey of Light (A Day in the Underground), 2011, 20 h, instalación sonora site-specific.
Proyecto presentado por Galería ARTEKO